Tendencias conceptuales

Dentro de las segundas vanguardias vimos las siguientes tendencias informalista, racionalista, neo representativa y conceptuales. A continuación hago un breve resumen de las tendencias  conceptuales, que hemos visto:

ARTE CONCEPTUAL

El arte conceptual se conoce también como idea art. Es un movimiento artistico en el que la idea es mas importante que el objeto, la idea es la obra en sí. La caracteristica principal de esta corriente es el predominio de los elementos conceptuales sobre los propiamente formales. El movimiento Dadá anterior a  este servirá de percusor de esta tendencia, comparte muchas de las premisas Dadaistas. Este movimiento surgió a mitad de los años sesenta, como una reacción a lo que se ve en los museos y salas e intenta llevar al espectador a una reflexión sobre aspectos del mundo artístico y su mercado en ese momento.

El arte conceptual emplea habitualmente materiales como la fotografía, mapas , vídeos,etc. En ocasiones se reduce a un conjunto de instrucciones documentando cómo crear una obra, pero sin llegar a crearla realmente; la idea tras el arte es más importante que el artefacto en sí. Para ello se fija en los ambiente cromáticos, en los luminosos, y en las variaciones sobre la naturaleza.

HAPPENINGS

Termino utilizado por primera vez por Allan Kaprov en 1957 en una conversación artística. Es una manifestación colectiva que requiere la participación activa del público y en la que el proceso tiene tanto interés, si no más, que el resultado. Aunque con apariencia de improvisado, el autor-artista suele seguir un guión, aunque deja algo de libertad a las elecciones del publico-actor que participa. En el happening intervenían, además, tres medios expresivos: el plástico-visual, el musical (sonidos y ruidos) y el teatral (monólogos y diálogos), aunque a veces incorporaban olores.

BODY ART

El body art es un movimiento artístico que comparte ideas de la tendencia conceptual, el cual consiste en usar el cuerpo humano como la obra de arte o el medio de realizarla.  Se trabaja con el cuerpo como material plástico, se pinta, se calca, se ensucia, se cubre, se retuerce… el cuerpo humano es el lienzo o el molde del trabajo artístico. Suele realizarse a modo de acción o performance, con una documentación fotográfica o videográfica posterior.

LAND ART

El land art es una corriente artística surgida a finales de los años sesenta que tiene como fin trasladar el trabajo artístico a los espacios naturales que son transformados por el pensamiento y la acción del artista.
Este movimiento que utiliza el propio espacio natural como soporte de la obra surge primero en los Estados Unidos a finales de los años sesenta. Los artistas del land art llevan acabo toda una serie de manipulaciones y transformaciones sobre el paisaje. Generalmente adquiere grandísimas dimensiones y su presentación en las galerías se hace a través de una documentación de fotografías, videos o textos. Dentro de este tipo de arte hay una corriente centrada en las grandes dimensiones (Michael Heizer, Dennis Oppenheim, Walter de Maria o Christo) y otra más intimista como son los casos de Richard Long o Hamish Fulton.
 Dejo un vídeo de las tendencias neo representativas y conceptuales, del que hemos desarrollado un articulo en el blog mi compañera Mari R. y yo.

Trabajos primer semestre en el Taller

Color

En el taller en las clases teóricas hemos estudiado teoría del color, con sus definiciones, modos, términos, resolución, colores Pantone, etc...... En este artículo intento hacer un breve resumen de lo más usado en la realización de nuestro trabajo.

¿Qué es el color? Existen diferentes definiciones para describir el color. El color es una percepción de las diferentes longitudes de onda de luz que reflejan los objetos.

Modos color

Actualmente existen dos modos de color principales en diseño, color RGB y CMYK. Se utiliza uno u otro en función del posterior uso de la imagen. Si su uso va a ser para pantalla se usa el modo RGB (Red, Green, Blue) que son los colores luz de una pantalla, a partir de la mezcla de estos tres colores se conforman el resto. Si el uso posterior es ser impreso, entonces, se usa el modo CMYK (Cyan, Magenta. Yellow, Black) Que como podemos observar son las tintas que usan las impresoras. Hay que tener en cuenta el efecto que produce en los colores, el cambio de modo RGB a CMYK ya que los colores se distorsionan,  debido a que los colores que no tienen CMYK se ajustan al más parecido en RGB.

Otros atributos que ayudan a definir un color son: tono, saturación y brillo. 

El tono es la característica única de cada color, lo da la longitud de onda y nos sirve para diferenciar unos colores de otros visualmente. 
Saturación sería como la pureza del color, lo que lo diferencia mas o menos del gris, va del tono puro a un color gris, lo que convencionalmente llamamos tono intenso o no . 
Y brillo es la cantidad de blanco o negro que tiene mezclado un color, es decir, lo claro u oscuro que lo percibimos.

En la siguiente imagen se muestra una fotografía original de cámara fotográfica, a la que se le han variado cada uno de los tres atributos en cada franja, sin tocar los otros atributos restantes, el resultado es muy visual.

Otro modo de gestión de color es el llamado color directo, y este se hace a través de una paleta de colores llamada PANTONE, los colores se obtienen directos o por medio de mezclas de colores directos. Este sistema de color es muy útil y utilizado en diseño para asegurar la impresión de un color concreto como colores corporativos de empresas. 
El sistema de color Pantone posee varias gamas de colores, colores especiales sólidos, de hexacromía, metalizados y pastel. El sistema posee un número de referencia único para cada tono y matiz como se ve en la imagen. Con unas letras que también tienen un significado U (uncoated, no estucado) C (coated, estucado), EC (Euro Coated, estucado) y M (mate).  

Ejemplo de elección de color de la gama Pantone

Tipos imagen

Existen diferentes formatos para guardar las imágenes digitales. Podemos diferenciarlos al ver el archivo por su diferente extensión en el nombre del archivo. Las más utilizadas actualmente son: .jpg, .tif, .png, gif y .bmp.

BMP es Bitmap o mapa de bits. Es muy utilizada por los programas de Windows Office, es una de las opciones que te da el programa cuando insertas o copias una imagen entre diferentes programas.

GIF es Graphics Interchange Format o formato de intercambio gráfico. Se diseñó específicamente para comprimir imágenes digitales, es decir, es muy útil para optimizar el tamaño del archivo para ser usado en la web, aunque no es recomendable para fotografías de calidad y originales.

PNG es Portable Network Graphic o Gráfico portable para la red. Comparado con el formato GIF permite mayor compresión y mayor número de colores. Es un formato reciente en comparación con los otros formatos. Es importante anotar que este tipo de archivos admite las transparencias en las imágenes.

TIF-TIFF es Tagged Image File Format o formato de archivo de imagen etiquetada. Se utiliza para imágenes de excelente calidad, a diferencia de los otros formatos vistos anteriormente, este tipo de archivos son grandes, ocupan bastante memoria. Aunque son ideales para guardar los originales.

Ejemplo de distintos formatos de una misma fotografía 

JPG Join Photographic Experts Group o grupo de expertos fotográficos unidos. Este formato es el más utilizado actualmente, las cámaras fotográficas guardan directamente las fotografías en este formato. El único inconveniente es que no permite fondos transparentes. Permite un alto grado de compresión, lo que facilita su uso para imágenes en la web.

En la imagen se puede ver la diferencia de tamaño de la misma fotografía guardada en los diferentes formatos expuestos. La primera fotografía de referencia es el formato TIF realizada con una cámara fotográfica y guardada con alta calidad de imagen en el menú de la cámara.

En nuestros trabajos, solemos usar el formato JPG con resolución de 72ppp y guardado en alta calidad para mostrar las imágenes en soporte informático, y su utilización en la web. También empleamos el formato .PNG para la utilización de imágenes con fondo transparente para la realización de montajes con imágenes, o por ejemplo colocar los pictogramas en las tarjetas de visita. 

Vamos de museos IVAM y MUVIM

Con el objetivo de familiarizarnos con el arte y después de realizar varios collage en el centro. Aprovechamos para visitar una exposición temática sobre el collage en el IVAM Instituto Valenciano de Arte Moderno con el nombre de Trozos tramas trazos. En el pudimos admirar de cerca obras de autores de diferentes épocas y conocer nuevos nombres de artistas. La guía de la visita nos explico las obras y nos situó en la vida y entorno cultural e influencias de los autores. 

Varios de éstos nombres nos resultaban familiares de las clases de teoría. Como las dos obras de Laszlo Moholy-Nogy, Light Paintig y Sport Macht Appetit, o las de El Lissitzky con la cubierta del libro Russland Y el cartel To The Front. Durante las clases de teoría estudiamos la escuela BAUHAUS y con ella sus  fundadores: Walter Gropius, Paul Klee, Wasilly Kandinsky. Así como algunos de sus profesores: Johannes Itten, Oskar Schlemmer, Josef Albers, Lazlo Moholy-Nagy, Oskar Schlemmer, Marcel Breuer, , Theo Van Doesburg, Ludwig Mies van der Rohe, todos ellos pintores, escultores, arquitectos, urbanistas, tipógrafos, grabadores, artesanos y tejedores.

El movimiento de La Bauhaus esta influenciado por diferentes corrientes como son el Constructivismo ruso. Su estilo se caracterizo por la ausencia de ornamentación en los diseños, claro ejemplo, es la construcción de su edificio sencillo con formas geométricas con base de hormigón y cristal, con un diseño estudiado para su funcionalidad. Como indican en su manifiesto: La construcción completa es el objetivo de todas las artes visuales. Combinándose así la academia de Bellas Artes con la Escuela de Artes y Oficios para "unificar sus actividades y eliminar las diferencias entre artistas y artesanos ". 

No seria capaz de elegir una sola obra favorita de todas las vistas. Si bien he de reconocer que me fascinaron las de Kurt Schwitters.

La exposición se encuentra dividida en cinco apartados; Materia y Forma, Imagen y Figura, Signo y Gesto, Memoria ,Tradición y Experimentación, Relato y Accion.

Como practica tras la visita a la exposición realizamos en clase una reinterpretación de una obra de las vistas a elegir por nosotros, con la herramienta Photoshop.

Ese mismo día visitamos el MUVIM Museo valenciano de la Ilustración y la Modernidad. Vimos la obra permanente “La aventura del pensamiento” , un cumulo de experiencias que te trasladan desde la época de los monasterios medievales, pasando por la invención de la imprenta y los demás momentos históricos importantes de descubrimientos y cambios hasta nuestros días. Todo ello mediante proyecciones, representaciones, sonidos y recreación de ambientes para hacernos sentir participes del recorrido del pensamiento y sabiduría a lo largo de los años.

Collage

En las clases de teoría, estudiamos el collage, la técnica artistica de unir diferentes objetos para formar un único todo. Primero vimos la definición de collage, y luego observamos a través de Internet diferentes obras de collage pertenecientes a varios artistas. Nos enteramos de la discusión sobre quien fue el inventor del collage, hay vertientes que hablan de Picasso con su pintura Naturaleza muerta con silla de rejilla y otros consideran a Georges Braque el inventor. Pero lo mejor fue tener la oportunidad de ir a la exposición Trozos tramas trazos en el IVAM Instituto Valenciano de Arte Moderno. Fue una gran experiencia el tener al alcance de la mano diferentes obras de collage, de varias épocas y lugares cada uno con sus influencias, poder ver de cerca obras de autores estudiadas en las clases de teoría. Todo un festival para los sentidos. Como práctica en el taller realizamos varia obras de collage, una sobre el cuadro La primavera de Botticeli y otros libres. Primero hicimos un collage en soporte papel sobre la lámina de la primavera de Botticelli, recortando imágenes de revistas que pegamos sobre la lámina. Posteriormente realizamos diferentes practicas con Photoshop.

Collage tema ciudad

Imágen HDR y Photomerge

Trabajamos las imágenes HDR imágenes de alto rango dinámico (proporción entre zonas oscuras y claras de la imagen). Con esta herramienta se definen tanto las zonas oscuras en sombra como las claras sobre expuestas. Existen dos formas de aplicar esta herramienta, sobre una única imagen o bien sobre la misma imagen con diferentes exposiciones, se recomienda un mínimo de tres, unas mas claras y otras mas oscuras. Dependiendo del sistema accedemos desde un menú diferente. Para una sola imagen se accede desde Menú Imagen → Ajustes → Tonos HDR → y se producen cambios en las diferentes opciones de la ventana, mediante la opción sombras se aclaran las zonas oscuras, se deberían modificar todas las opciones hasta conseguir el efecto deseado. La segunda opción con varias imágenes se realiza a través de Menú Archivo → Automatizar → Combinar para HDR pro, y se siguen los pasos que nos indican las ventanas. Primero elegiremos los archivos que vamos a utilizar, al confirmar estos archivos comienza el procesado automático de las fotografías Photoshop, en ultimo lugar al mostrar la imagen resultante, en el lateral derecho de la ventana se pueden realizar los últimos ajustas tal y como se hicieron en el método de solo una imagen.

Existe una herramienta que sirve para combinar y superponer fotografías tanto horizontal como vertical para formar una imagen continua. Se accede desde Menú Archivo → Automatizar → Photomerge, en la primera ventana se escogen las imágenes que se quieren fusionar y se escoge el modo de composición. Es importante para facilitar la composición y obtener unos mejores resultados añadir los archivos por orden, cada archivo seguido con el que corresponde a su lado. Es muy importante la elección de las fotografiás base, estas deben tener en común un 40% de la superficie para que el programa sea capaz de fusionarlas. Así como tomar las fotografías desde el mismo punto y a la misma altura, es conveniente la utilización de trípode. La fotografía final suele tener zonas recortadas o marcas donde se notan los cambios entre las diferentes fotografías que forman parte de la panorámica, así que llegado a este punto hay que comenzar a usar las herramientas como parche, tampón de clonar, seleccionar, cortar y pegar, ajustes de color, etc... para llegar a un buen resultado final de una fotografía panorámica.

Aquí dejo los resultados obtenidos con estas aplicaciones en el taller.

Papeleras de edificios públicos

Nos han encargado el diseño de unas contenedores para el reciclaje de papel, para colocar en los edificios públicos de Massamagrell. Solo nos han fijado las dimensiones y la forma en un pequeño croquis que se nos entrego junto el encargo del trabajo. Las dimensiones de la papelera son 80cm de alto por 25cm de ancho y 25cm de profundidad. A partir de ahí, Pilar Esteve dibujo en AutoCad el desarrollo de la figura para su posterior montaje. En este trabajo hemos puesto en practica lo aprendido sobre el tema del packaging. Y se ha comenzado con el diseño personal por parte de cada uno de nosotros, realizamos diferentes bocetos y elegimos uno de cada uno de nosotros para la impresión de una maqueta a escala 1/5 de la papelera a tamaño real. Se recorto la papelera impresa, se pegaron cada una de las partes, ahora se puede observar el resultado final, solo que ha tamaño reducido.  

Taquillas

Desde comienzo del taller estuvimos pensando como identificar nuestras taquillas, con nuestros nombres. Tras trabajar con las siluetas y los diferentes filtros de Photoshop, para hacer rostros parecidos al clásico de Marilyn de Andy Warhol. Nos pusimos todos de acuerdo para nombrar nuestras taquillas haciendo algo similar, con nuestro rostro y nuestro nombre.